又一个“蓬皮杜展”来了，讲述艺术和日常的边界

台灯、帽架、熨斗、墨水瓶、橡胶轮胎、自行车坐垫……众多人们习以为常的工业产品，经过艺术家的摆布与诠释，摇身一变成为“艺术作品”，出现在西岸美术馆的展场。“万物的声音”于2021年7月28日至2023年2月5日举行，展览以“物”贯穿叙事，溯源现当代主义史的发展流变。

这是继“时间的形态”之后，西岸美术馆与蓬皮杜艺术中心五年展陈合作的第二个常设大展。展览以“万物”为线索，串联起160多件蓬皮杜艺术中心的馆藏，也力图让展览化作一本清晰而直观的艺术史教科书，为观众提供可持续的艺术学习平台。

一些观众也许记得，常设展三部曲的上篇“时间的形态”曾展出杜尚于1913年创造的首件“现成品”艺术《自行车轮》，在中篇“万物的声音”中，观众将会看到艺术家于1917年创作的另一件“现成品”艺术代表作《帽架》。它被高悬于展厅上方，在地面上投下一个像是八爪鱼的影子。

“这也算是艺术吗？”一位观众皱起眉头观望了半天，回头跟身旁的朋友说，“咱们家里也挂个这个怎么样？”

“现成品”这个概念由杜尚首创，也同时宣告了当代艺术的开端。一百年来，艺术家不断运用这种创作方式，将现成的物品当做创作素材，在很多观众看来，这也模糊了艺术和日常的界限：艺术家怎么能那么“现成”呢？通过本次展览，观众或许能够了解到一些缘由。

19世纪，随着摄影术的发展和普及，艺术迎来了一次危机。摄影能比绘画更精确地描绘物体和景象，画家开始更深入地思考，如何用画笔画出表象之下的“真实”。印象主义和立体主义应运而生，本次展览也是从立体主义对物体的分析、解构开始。

20世纪初，布拉克和毕加索从静物画入手，开启了一场图像与雕塑空间的深刻变革，他们将映入眼帘的物体还原成几何图形，试图在平面上描绘出不同角度的立面，甚至，试图画出时间的流动。随后，大量艺术家加入了立体主义运动，他们见证并取材于19世纪至20世纪初的巴黎社会变革：随着电力的运用、钢筋混凝土的发明、地铁的建造，以及路上越来越多的车辆，城市生活的面貌与模式发生了翻天覆地的变化，多元化的科技创新也以各种方式加速了物品的生产。

艺术家迷恋于时代的速度、机械、工业产品，与此同时，也在反思艺术的边界与意义。于是，杜尚的现成品艺术应运而生。他选择一件现实中已经存在的物体，放在新的标题和语境下，当物品不再具有原来的功能，却也拥有了新的内涵：例如，他会把自行车轮毂固定在厨房板凳上，看着车轮旋转作为消遣；或将商店里购买的小便池倒放，签上名字送去参加艺术展览。通过这种方式，杜尚挑战了艺术界的假正经，也宣告艺术的内涵在于观念而非艺术品本身。

无论艺术的观念如何改变，人类生活的物质环境变得越来越充裕富足。机械绘画用工业零件拼凑出画面，超现实主义则不断描绘着被物环绕的梦魇。

随着两次世界大战的爆发，很多艺术家开始将视线从人身上移开，转而关注无声的事物，借此表达出他们在跌宕起伏的时代的内心感受。1953年，罗兰·巴特在《物之世界》中写道：“充满爱意地刻画微不足道的表面，而不刻画任何其他事物，已然是一种非常现代的静默美学了。”

当艺术家描绘物的时候，艺术谈论的依然是人类自身。时至今日，艺术家依然通过对物品的描绘，表达出对于消费主义、全球化等议题的关注，邀请观者对社会现状和经济模式进行反思。展览的尾声是当代艺术家纪尧姆·比伊尔的《镜子展厅》，观众可以在此自拍，也可以借机更好地看到自己和周边。