画廊周北京的十年，用野生粗粝感保留实验性

初夏的北京，以798艺术区为核心，又变成人潮涌动的艺术之城。

5月22日至31日举行的第十届画廊周北京（下称“画廊周”），创下历届最大参展规模。30家画廊、10家非营利机构参加“主单元”，呈现“特别展览”，“艺访单元”与“新势力单元”回归。加上散落在草场地、CBD乃至通州别墅区的独立空间，织成一张密集的艺术网络。

从2017年首届画廊周只有十几家画廊参与，到如今联动全城的“北京艺术季”，十年间本地艺术生态悄然重塑。

“画廊周这十年的变化是明显的。很多画廊的性格越来越明确，形成不同的观点和品味，延伸出艺术多面、蓬勃的面貌。”华语知名音乐人、收藏家姚谦接受第一财经专访时表示，自己进入艺术收藏领域多年，也曾合作策展。对他来说，欣赏艺术跟读书、听音乐一样，都是一种“阅读”。

今年的画廊周延续“主单元”邀请制的同时，“艺访单元”“公共单元”“新势力单元”集体回归。公共单元首次跳出798艺术区，将大型装置与影像搬到城市户外屏幕，放大艺术与公共空间的对话。姚谦认为，当人们在商圈、公园都能偶遇艺术，当艺术作品自然而然地在日常生活里出没，“这就是阅读世界的一个方法”。

这十年，北京艺术生态逐渐呈现出丰富图景，既有市场与学术的平衡，也有野生与建制的共生，形成充满底蕴与活力、可被感知的艺术场域。如果说上海的艺术生态是流动着的国际化样貌，深圳是在高效中实现艺术的快速迭代，北京则以深厚的历史底蕴为依托，在十年里用一系列机制把原本分散的画廊、艺术家、策展人、收藏家连接在一起。

全城观展的艺术生态

第一届画廊周诞生于2017年，核心背景是学习柏林画廊周的模式，依托本土艺术生态填补北京缺乏国际对话的行业空白。当时的北京拥有完整的当代艺术创作生态，但缺少整合本地画廊资源、吸引全球关注的集中推广平台。虽然有传统艺博会的卖场模式，但行业需要更深度的展示形式补充。早期的画廊周有一种凝聚作用，设置“最佳展览奖”等奖项，引导行业关注一级市场创作。

这些年，画廊周逐渐从单一专业艺术活动升级为‌北京艺术季‌的核心，不仅强调学术性，也推动行业思辨，在5月艺术浪潮中拥有独特的公共影响力。

姚谦注意到，这些年，很多画廊沉淀出各自鲜明的个性，有的专注前沿实验艺术，有的深耕本土当代艺术，有的侧重国际艺术进中国、中国当代艺术走出去，“不同画廊聚集气味相投的艺术家，形成很丰富的画面”。

作为资深藏家，姚谦常年在世界各地参加艺博会或双年展，带着求知欲和好奇心，看画廊能给自己带来哪些新鲜的内容。“我是一个被动的享受者，去参与、去感受。我喜欢那些观点独特、差异感比较大的年轻艺术家，能让你对这个世界更加兴趣盎然。”

除了学术氛围浓厚，画廊周还有公众属性、城市属性与平台属性。在这里，专业壁垒被消解，艺术装置、影像作品落地城市公共空间，让当代艺术融入大众日常，全城观展的气氛早已成为城市文化名片。

策展人杨紫告诉第一财经，在今年的“新势力单元”中，他与艺术家艾阔联合策划了一个特别项目“巫性美学十句”，以民俗、仪式与现场表演为载体，打造开放的现场空间，让离散的精神力量重新聚合。展览还配套放映、诗会、现场表演、学术讲座等系列公共活动，探索策展与艺术表达的更多可能性。

作为年轻一代策展人，杨紫认为，传统策展的宏大叙事正在失效，他更愿意做“灵气的传递者”而非权威叙事者，所以更关注那些微小的、私密的个人表达。他认为，北京艺术生态的魅力就在于，文化政策有倾向，也允许异质性的存在，能给画廊提供展示的平台。“画廊周一直试图扩大当代艺术的版图，这很不容易。画廊是小生意，艺术系统也是小系统，很脆弱。艺术能不能做好，理想是一部分，实实在在的资源很重要。”

野生粗粝感，给实验留氧气

在画廊周十周年晚宴上，A26空间收获了“元年同行者”奖项。

A26空间很年轻，2022年落成，2023年开业，2025年其创始人奚韬入选第九届画廊周北京画廊委员会，成为核心决策成员之一。

由原751厂工业遗迹物资站改造的A26空间，很能说明画廊周对这类“非标空间”的接纳，也折射出生态的包容性以及增长的开放性。A26空间的核心特色是“艺术+音乐+办公”复合定位，兼顾专业艺术推广与日常文化消费，这些年做了很多实验性项目。今年，这里展出了一场关于北京与香港艺术现场差异的群展“如影随形”。

“A26更像是成熟商业体系旁的一个‘法外之地’，或者说是一种‘补充’。我们希望让艺术在日常生活中自然发生。老建筑的尺度和历史痕迹，是无法被标准化的。所以在这里空间会形成参与创作的催化剂——它要求艺术家来到这里，必须和这段工业历史发生真实的对话与碰撞。”空间负责人许彤告诉第一财经，这三年，借助画廊周的平台，A26空间在实操中高密度地接触到了成熟的行业资源，也学习到了很多经验。

像A26这样没有固定艺术家的空间，像是一个研发实验室，也成为画廊周探索边缘力量的样本。

“站在生态的角度看，当一个经过十年发展、高度成熟的商业系统，愿意敞开大门去扶持边缘的新锐力量，意味着主流机制在主动规避固化风险。它正在通过接纳异质性，来维持整个本土艺术生态的新陈代谢。”许彤希望，未来A26可以“继续做好生态里的那个‘变量’和‘研发实验室’，保持粗粝感”。

杨紫同样用“粗粝”来描述“巫性美学十句”，“这展不同于目前常规展览的风格，像个舞台，有一种能调动观众身体的节奏。人们走在里面好像能跳起舞来”。

在很多艺术从业者内心，北京始终有一种让人痴迷的野生感。在北京的艺术生态里，除了专业学院体系和成熟商业画廊之外，始终活跃着一股新鲜的力量。在A26空间、蔡锦空间、C5CNM等非传统艺术空间，会为一些非主流关注的、实验性的乃至边缘的创作留出自由空间。一些创作者的作品或许不符合艺术圈约定俗成的评判标准，却总能带来意想不到的惊喜。今年的画廊周涌现了很多90后、00后艺术家，虽然他们有海外背景，却依然注重北京独有的文化底蕴。

“北京有很多狠人一直在坚持，目前看，以后也会坚持做艺术。”杨紫口中的“狠人”，是那些依然保持个人化、实验性创作状态的艺术家，他们并不急于立刻进入画廊体系，却凭着一股“狠”，不断在自己坚守的艺术世界探索，既保持主体性，又能与不同的艺术群体交流碰撞。从某种意义上来说，这种松弛的包容度，是北京这座古老城市能给出的吸引力和广阔容量。

今年画廊周有不少展览聚焦“日常经验”：邢灏的“潮土”画日常角落的黑色幽默，颜秉卿的“如此而过”记录失眠时的纷乱思绪，栾雪雁用旧衣缝纫出生命的重量。这种变化与北京艺术生态的“去中心化”同步。

多年扎根北京艺术圈的杨紫，更喜欢做有趣的、实验性的项目，空间小，资金投入少，对回报的期待低，“船小好掉头”。

他认为，在这样对实验性友好的环境中，艺术才有试错的可能，“有个说法是，艺术‘错着错着就对了’。艺术的经典规范需要在个人化或者时代变迁的重新理解下，被不断修正，做这件事需要勇气”。

北京是文化层次丰富的城市，这里有最密集的画廊、最活跃的策展人、最挑剔的藏家，也有最残酷的竞争，引力场依然强大。

站在十周年的节点，姚谦期待画廊周能成为“更开阔、更包容地看世界”的平台；许彤希望A26继续保持“粗粝感”，做生态里的“变量”。杨紫则直言，北京艺术生态的群众基础依然薄弱，当代艺术还是小圈子的事。他希望未来十年，公众能以平常心看待当代艺术，不觉得高不可攀，而是把它当成一种日常化的精神生活用品。

（活动方供图）